Sitges 2021. Entrevista a Ángel Sala: «Hemos mejorado la programación asiática»

Como siempre por estas fechas y a falta de una semana para que dé inicio la 54ª edición del Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, os compartimos la entrevista que como cada año le realizamos a su director, Ángel Sala, en la que pudimos hablar largo y tendido de la programación asiática que este año podremos ver en el Festival. Esperamos que la disfrutéis y os ¡emplazamos a vernos en Sitges 2021! 

CineAsia: Pregunta obligada: ¿cómo se presenta el Festival? El año pasado tuvimos una edición “pandémica”… Este año, ¿qué nos espera? El director del Festival de San Sebastián dice que es la edición “Covid 2”. 

Ángel Sala: Sí, yo también estoy de acuerdo. Es un año en que hay cosas mucho más claras que el pasado, pero también hay otras más confusas, y eso es raro. Yo esperaba que todo estuviese un poco más normalizado. Sin embargo, todo lo que son especificaciones, de aforos, de medidas, está más en el aire. Y luego a nivel más técnico, vamos a ver las consecuencias de todo esto en el mercado y en la industria, que para mí son devastadoras. Especialmente en España pues antes de la pandemia ya eran situaciones muy graves… muy graves, de distribución, de exhibición, de producción, menos quizás pero también… y que con el Covid se han vuelto letales. Y es ahora cuando se empiezan a ver. El panorama después de la batalla se empieza a ver, y es ruinoso. Eso lo vemos en la taquilla. En todos los países está tocada, y aquí tenemos un tercio menos de lo que tendríamos que tener. Lo vemos en la disgregación de todo el entramado de distribución… yo siempre he estado a favor de las plataformas, y lo sigo manifestando, y en el Festival les damos un lugar. Pero la situación de las plataformas en todo el entramado es confusa, las relaciones entre todos los sectores son confusas, si antes era complicado las fechas de estreno, ahora lo son mucho más. Todo eso implica, junto a un funcionamiento de la taquilla realmente preocupante, que afecte a los festivales que estamos en un momento de impasse. El que diga que los festivales se salvan, miente. Los festivales están en un momento, creo yo, de mucha precaución, y que tienen que implantar de una manera muy rápida un modelo que en cada festival sea diferente de adecuación a los nuevos mapas de la industria. Necesitamos que esos mapas de la industria se aclaren. Estamos en un work in progress. 

CineAsia: Alrededor de 110 películas en el Festival (sin contar retrospectivas ni la parte de Brigadoon): unas 17 películas asiáticas, un 15% de la programación. Podemos con esto decir que este año el aficionado al cine asiático estará contento de regresar a Sitges, que el año pasado se sintió un poco abandonado.  

Ángel Sala: Primero decir que la programación me parece muy completa, está el 90% de las películas que serían deseables, un 95% para un aficionado al fantástico en general, pero creo que es una programación corta, lo tengo que decir. Me parece que 120 películas que serán más o menos las que estén al final, para un Festival de la categoría de Sitges, es un error. El año pasado fue por el Covid, pero creo que Sitges no debería bajar de las 140 películas.  Dicho esto, sí que hemos mejorado la programación asiática. Personalmente como director artístico creo que era una obligación… 

CineAsia: Habéis creado un fandom durante 20 años… 

Ángel Sala: Creo que es un signo de identidad de Sitges, y los signos de identidad, a pesar de las crisis y los problemas, no deben de ser borrados. Podrían haber entrado algunas más, ya he dicho que, empleando un símil futbolístico, teníamos un tope presupuestario. En algunos los casos los festivales parecemos el F.C. Barcelona, aunque tampoco hemos perdido a Messi de momento (risas)… El tope ha hecho que no pudiéramos haber tenido 25 películas asiáticas,  hay unas 10 películas más que me habría gustado ver en Sitges y no ha sido posible, pero estoy contento con lo que hay.  

ANIME, EL GRAN DESTACADO EN LA PROGRAMACIÓN ASIÁTICA 

CA: A lo largo de estos meses siempre te has referido en las ruedas de prensa a que la animación, y en especial la japonesa, iba a tener un papel destacado en este Sitges 2021. Y viendo la programación es así, así que vamos a empezar con el anime. “Belle” de Mamoru Hosoda está en Sección Oficial a competición, y siempre que hay una película de Hosoda a competición acaba ganando… 

Á.S.: Estoy muy contento de tener Belle, que me parece una película importantísima por sí misma, no solo como animación solamente. Conecta muy bien con el público joven, un anime tremendamente fantástico que mezcla la tradición de La bella y la bestia, con el mundo virtual y la ciencia ficción que me recuerda además a una de las películas que más me gustan de Hosoda que es Summer Wars. A Hosoda lo descubrimos en Sitges con La chica que saltaba a través del tiempo, apostamos por él y nos pasó un poco como con Satoshi Kon anteriormente, que en paz descanse. Hosoda es un director que quería tener, con todo el respeto a San Sebastián que han sido muy listos y lo han tenido en persona y en primera estancia varios años, pero quería volverlo a tener como premiere en España y que viniese él.  

CA: ¿O sea que… confirmamos la presencia de Hosoda? 

Á.S.: Sí, está confirmada “a día de hoy”… Hosoda es alguien que ha ganado tantas veces Anima’t y que se descubrió en el Festival, que está muy bien… Gracias José Luis Rebordinos por no haber cogido la película este año (risas). Algunos ya sabéis que era mi intención desde el principio, pero en cuando desde San Sebastián, con el que tenemos un contacto constante, nos dijeron que este año la película no entraba en sus planes de programación, tenerla en exclusiva en Sitges, como premiere española y con él presente además, pues es un sueño. 

CA: Otra de las grandes producciones de anime de este año es The Deer King, no tanto por el título en sí, sino por quien está detrás que es Masahi Ando, uno de los grandes animadores que ha trabajado desde Paranoia Agent a Studio Ghibli, entre muchos otros. ¿Qué nos espera en esta aventura? Parece muy cercana a Mononoke… 

Á.S.: Es que se parece mucho a Mononoke, a mí me recuerda mucho, con su propia personalidad. Es una película de anime muy clásico, muy Studio Ghibli, que me parece una preciosidad. Igual que la de Hosoda es muy vanguardista y muy revolucionaria en su concepción de estilo y pictórica, The Deer King es una película mucho más clásica, un cuento de fantasía precioso, y estoy muy contento también de tenerla, y además que estará en Anima’t pero en Sección Oficial fuera de Competición, tendrá un pase en el Auditorio.   

CA: Otra película de animación que tenemos muchas ganas de ver es “Poupelle of Chimney Town”. 

Á.S.: Me chifla esta película, me parece una preciosidad como casi todo lo que hace Studio 4°C, uno de los pioneros de la animación más extravagante a veces y más radical. Es una historia que puede funcionar muy bien para niños, pero también para los amantes de la ciencia ficción, es alucinante en toda su concepción visual y de animación. 

CA: Otra película que parece pequeñita, del estudio CLAP es “Pompo the Cinephile”.  

Á.S.: Es nuestra propuesta de anime no tan de género fantástico, sino un poco más abierta, que al coordinador de la sección Jordi Sánchez Navarro también le gustó mucho. Es una especie de Cinema Paradiso: son esas películas que hablan del amor al cine. En un festival en el que se cultiva y se piensa en el amor al cine, es una película muy interesante.  

CA: Hace dos años tuvimos a Takeshi Yashiro que nos hizo una gran master class sobre animación stop motion, tuvimos “Gon the Little Fox”, y este año llega una película que en principio se estrenó o se pasó en algún festival en 2017, pero que se está rescatando este año en festivales, ¿Qué tiene “Junk Head” para que sea tan especial? 

Á.S.: Junk Head es una película que tiene una animación muy curiosa stop-motion, y que además coincide con otra película alargada en el tiempo como Mad God de Phil Tippet, que tienen ciertos paralelismos. Tiene ese punto del cyberpunk japonés, tan radical y tan extremo, y es una película que ahora que está completa y al 100% acabada, se merece un visionado en Sitges. Creo que será una de las sorpresas dentro de la sección de Anima’t, pero también una película que sorprenderá a los amantes del cine japonés. Era una película que se movía entre tinieblas, como una leyenda urbana (que si estaba finalizada o no, que si se había visto o no), y al final se ha abierto el telón para que se vea de una forma normalizada.  

SECCIÓN OFICIAL: 4 PELÍCULAS ASIÁTICAS EN COMPETICIÓN 

CA: Zhang Yimou… ¿qué nos puedes decir de “Cliff Walkers”, película que puede recordar a la coreana “El imperio de las sombras”? 

Á.S.: Es muy El imperio de las sombras. Es un Zhang Yimou de la vertiente más comercial, que ha funcionado muy bien en China, y que es una película de aventuras, de exotismo… ¿Por qué la ponemos en Sección Oficial? Sitges se ha caracterizado en poner este tipo de películas a competición, y está contada además de una forma que el realismo pasa a una segunda parte, igual que El imperio de las sombras, no son películas que se pueda decir que son “históricas”. Son propuestas con ambientes muy exóticos, van mucho a un territorio de la aventura, de la acción muy entendida desde el punto de vista del cine chino, tal como hace Zhang Yimou. Es un director que a mí personalmente me sigue fascinando toda película que veo de él, me gusta hasta la de La gran muralla, que no le gustó a nadie, pero a mí me encanta. En Sitges ya habíamos tenido alguna entrada de Zhang Yimou con aquella película, Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos, una película en el límite del género, y tener el nombre en la parrilla de salida del Festival me parece un lujo. Afortunadamente una película que tiene además distribución en España.   

CA: Soi Cheang estuvo en Sitges con su “Motorway”: ¿que nos puedes decir de Limbo? Este thriller de acción en blanco y negro muy deprimente, muy alejado de lo que nos había acercado anteriormente, de esos thrillers de acción con mucho más ritmo. 

Á.S.: Es el fruto de una tozudez. Mike Hostench y yo llevamos tres años detrás de esta película, que estuvo retenida, unos dicen por postproducción, otros porque no pasaba la censura en China durante bastante tiempo, que había un embotellamiento administrativo… Siempre nos llamó la atención, desde que vimos el poster en el Filmart de Hong Kong, y además porque estaba el nombre de Soi Cheang. Me acuerdo que las primeras imágenes que nos enseñaron ya eran super interesantes, y para mí la película no defrauda, es lo que esperaba según lo que vi en esas primeras imágenes. Un thriller absolutamente claustrofóbico, no se sabe muy bien si medio futurista, que recuerda a esas ciudades tipo Blade Runner, llenas de basura, que algo ha pasado ahí pero no sabes qué, y con un asesino en serie. Una película que sorprende mucho al saber de dónde viene, China, con ese mal rollo tremendo que, primero, revitaliza un poco el cine distópico venido de esta parte del mundo, pero también con ese punto neo-noir que está ahora presente en el cine chino, que me parece muy interesante, un neo-noir urbano… Aunque es una coproducción entre China y Hong Kong y Limbo está casi más cerca del cine de terror en muchos momentos. Muchos la comparan también como “el Seven chino”. Me parece estupenda, una de mis favoritas asiáticas de este año. 

CA: Hablando de Hong Kong, pregunta obligada, ¿Qué auguras de Hong Kong con lo que está pasando, con la nueva ley de seguridad?  

Á.S.: Que estoy muy preocupado. Soy un amante loco de Hong Kong, de su cultura, de su mood, y no solo de su In the Mood for Love, de su mood en general, para mí Hong Kong es Chungking Express, lleno de libertad, lleno de vida, de diversidad, y me da mucho miedo todo esto. Y el cine de Hong Kong me preocupa mucho, está siendo fagocitado por la industria China, pero luego hay una desazón del público de Hong Kong por su propio cine. Las nuevas generaciones consumen muchísimo cine americano, pero cada vez más se está perdiendo ese cine hongkonés, y que tampoco sé si se podrá producir porque no estará bien visto por la administración.  

CA: El año pasado sorprendieron tres pelis terroríficas de Indonesia, y esa revitalización del folk-horror. Na Hong-jin también nos lo puso en bandeja con “El extraño”, y si le unimos con Tailandia esta vez, con el director de Shutter Bangjong Pisanthakaun. ¿Podemos decir que “The Medium” es la cinta de terror asiático del año? 

Á.S.: Creo que sí, yo por lo menos no he visto una película de terror asiática mejor este año que The Medium, que es una película que me gusta mucho y que no solo revitaliza el cine asiático de género, además a dos bandas, Tailandia y Corea, sino que revitaliza también el terror en directo. No hablo de found-footage, que, aunque parece lo mismo no lo es, sino un poco la idea del falso documental de terror. Aquí partimos de una entrevista a una médium para llegar a un escenario de terror que cada vez se convierte más en ficción, se va comiendo cada vez más a la parte de, digamos, falso documental. Hay mucho de Na Hong-jin en la película, de El extraño, de ese chamanismo, rituales, exorcismos, y creo que todas las partes, para que se me entienda tipo Paranormal Activity, con cámaras nocturnas, dan mucho miedo, y ya me gustaría que Paranormal Activity diese tanto miedo como The Medium. Creo que es una película muy interesante por muchos conceptos, me parece uno de los títulos de terror del año.  

CA: En otra sesión especial fuera de competición hay que pronunciar dos nombres: Sion Sono y Nicolas Cage. La mezcla debe resultar absolutamente explosiva en “The Prisoners of the Ghostland”.  

Á.S.: Tú lo has dicho, explosiva y no voy a decir en qué parte del cuerpo (risas). Es una película de las que llegan cada año de Nicolas Cage, que tiene la parte loca de Tokyo Tribe de Sion Sono, porque a ratos me la recuerda, en su atmósfera y ese punto del director tan loco. La película es un 1997: Rescate en Nueva York remasterizado, algo hay de eso, y siempre buscando lo weird, es tremendamente weird. La mezcla en sí ya lo decía, Sion Sono en Estados Unidos y Nicolas Cage en Japón… es un cruce de oriente con lo que es una película de Nicolas Cage. Es muy divertida y creo que puede ser una fiesta para los espectadores, va a ser uno de los referentes de lo que va a ser pasárselo bien en la sala y es una película que necesita esa interactividad con el espectador. Una película de Sion Sono de las divertidas, no de las sesudas como Love Exposure, aunque aquella a ratos también era divertida.   

NOVES VISIONS Y LOS PANORAMAS FANTÁSTICOS 

CA: Nos vamos a Noves Visions, y si hace unos años “One Cut of the Dead” nos sorprendía y era la película independiente japonesa del año, este año parece ser que “Beyond the Infinite Two Minutes” puede ser su sustituta, por así decirlo.

Á.S.: Me parece muy simpática y una película muy interesante, y te diría, quizás porque a mí me gusta mucho la ciencia ficción, que esta me gusta más que One Cut of the Dead. Creo que en su sencillez y minimalismo está muy bien aprovechada, también muy bien aprovechado su metraje, que son 70 minutos que no pasan en balde, y creo que es una película que gustará bastante si la gente viene predispuesta a pasárselo bien, y a valorar lo que es el esfuerzo de este equipo al tratar un tema como la ciencia ficción, las dimensiones paralelas o los cambios de tiempo-espacio desde el minimalismo, y siempre con un punto de comedia muy japonés. Una película muy interesante. 

CA: En el Festival de Róterdam se pasaba la película, “Dead & Beautiful”, coproducción entre Países Bajos y Taiwán, dirigida por David Berveek. ¿Qué podemos encontrar de asiático en ella?

Á.S.: La descubrimos en Róterdam, y lo asiático es el punto de vista visual, si entendemos a algunos países asiáticos como el epitome de lo moderno, de lo rompedor visualmente. Juega en esa modernidad, de jóvenes, de modas, aunque en occidente el mundo ya es muy global y ya está todo muy mezclado. Es una película de vampiros muy juvenil, muy urbano (en Noves Visions los vampiros van a ser muy protagonistas), y que trata de temas que en Asia posiblemente están más entendidos que en occidente, como esa posición de ciertos angst de la juventud en Asia. Me parece una película muy interesante, quizás también se ha dicho que es un experimento muy formal, pero a mí eso me gusta, y me gusta cómo lo trata. Es una mezcla de dos mundos que ya están mezclados en sí, y que además viene de Países Bajos en el que la cultura asiática siempre ha estado muy mezclada desde hace muchos años, en Ámsterdam por ejemplo, en sus barrios, restaurantes… la demostración de que ellos comprenden muy bien esa conjugación. Y además con Taiwán que es esa parte de Asia tremendamente moderna y avanzada y que por su peculiaridad política y geográfica nunca se le conoce tan bien, ni a su cine.  

CA: Pasamos a Panorama Fantástico y a “Hand Rolled Cigarrette” que fue la ganadora de este año en el Festival de Udine: una opera prima, dirigida por un actor al que hemos visto en películas como “El gran golpe” o “The Midnight After”, Kelvin Chan. ¿Podríamos decir que recuerda a “Gran Torino” de Clint Eastwood? 

Á.S.: Bueno, va por ahí, es una película crepuscular, un thriller que me gusta mucho porque reivindica mucho a Hong Kong, ya con la introducción que hace sobre el propio Hong Kong… Forma parte de un intento en el Festival de que haya cine asiático que no sea exactamente cine fantástico, que haya una parte, al no existir la sección Órbita, de esas películas que siempre han estado en Sitges, y que siempre han gustado, y que en este caso es un thriller con unos momentos de acción increíbles: tiene un par de secuencias de acción que son espectaculares, que además irrumpen en la trama de una manera muy rompedora, y que me parecen de las mejores escenas de acción y violencia que he visto este año en una pantalla. Recuperar lo que hablábamos antes, ese punto de Hong Kong que echo de menos, en este caso pequeña, independiente, pero que me devuelve los aromas de un thriller hongkonés potente.  

CA: Y además con Gordon Lam, que lo tenemos por partida doble, está en “Limbo” y en “Hand Rolled Cigarrete”, una de las figuras importantes de Hong Kong… El director Kazuya Shiraishi nos sorprendió con “The Blood of Wolves” con ese gran Koji Yakusho. ¿Es igual de disfrutable esta “The Last of the Wolves”? 

Á.S.: Pues totalmente igual, el cine de yakuzas siempre me fascina, y me encanta que siga habiendo yakuzas-eiga más allá de la época de Kitano y de las épocas de otros grandes como Fukasaku. Y que siga haciéndose en Japón este cine tan visceral, tan violento, tan personal, y que se siga haciendo con esa tradición. Esta Last of the Wolves, como la primera parte, es una película muy en la tradición de Fukasaku, contemporáneo, pero en esa línea y tremendamente violenta. Una violencia, en este caso, casi casi gore. Nos parece muy interesante que esté en Sitges porque, aunque no es una película fantástica, el tratamiento de la violencia es brutal, un punto más que su precedente. A pesar de su duración, me lo pasé muy bien viéndola y me parece una apuesta por los géneros clásicos nipones muy necesaria, que siga habiendo chambara, que siga habiendo yakuza eiga, kaiju eiga… que se mantengan esos géneros populares. Además, en un año en que hemos perdido a Sonny Chiba… 

CA: Luego hablaremos de él… El pasado año hubo una película, “Host”, con esa sesión de espiritismo a través de las pantallas, que sorprendió mucho y que fue una de las películas más vistas en el cine Prado. ¿Sigue “The Samejima Incident” ese mismo juego? 

Á.S.: Host revitalizó ese tipo de cine que ya había salido con películas como Unfriended, Searching, películas narradas a través del ordenador, y Host era quizás la película que mejor sabía hacer eso. Reconozco que cuando la vi para el Festival, salté un par de veces, consiguió ese efecto. Una película que se adaptaba muy bien, a los medios domésticos, y The Samejima Incident es prácticamente una versión japonesa pero bastante creepy, y eso nos gustó. Queríamos poner un ejemplo de película de terror japonesa; había bastante este año, y quizás alguna más nos habría gustado traer, pero nos decidimos por esta porque creo que juega muy bien con esa temática, lo hace de una forma un poco personal, y no es una imitación pura y dura de Host. 

DE LA “MIDNIGHT X-TREME” A “SEVEN CHANCES” 

CA: La simbiosis Sitges y Takashi Miike, se echaba de menos en la programación. “The Great Yokai War: Guardians” en principio entendíamos que era una película familiar, pero puede llevar la duda, viendo que se proyecta en la sección Midnight X-Treme. 

Á.S.: Este año por razones del Covid la sesión Midnight X-Treme de midnight tiene poco: la mantenemos, aunque casi podríamos haberla llamado Matinal X-Treme. En la sección a veces han pasado películas delirantes, aunque no sean precisamente películas extremas. Yokai War… no es una película extrema, pero creo que está para una generación a la que, como la primera entrega, aunque ésta mucho más, nos gustaba la saga Yokai Monsters, la saga Daimajin, esos clásicos yokai de la Daiei, que están en un momento de reivindicación porque Kadokawa ha lanzado todos estos productos remasterizados y el sello británico Arrow los va a lanzar en bluray. Son unas sagas muy desconocidas todavía para el público en occidente. Y aquí, pues todo tipo de criaturas yokai y más cosas, y la aparición de Majin que es algo muy esperado por los que somos locos de este tipo de películas. Quizás al espectador de la calle Majin no sabrá quien es, pero a los que somos fans de este tipo de cine fantástico japonés clásico, es una recuperación. La película viene a ser el Avengers del cine de yokais, todos juntos, un Destroy All Monsters. Un divertimento muy del tipo de otras películas que tiene Takashi.  

CA: Hay una película de la que no se ha hablado mucho, su director es canadiense, pero llevaba tiempo haciendo cortos de animación en Taiwán, y esta es su opera prima en el largometraje. Una película que nos habla de los virus, de la crítica a la clase política, de esta época de pandemia… ¿”The Sadness” es lo que parece? 

Á.S.: No, no es lo que parece. Para nada. Una de las películas más salvajes, radicales, enfermas y brutales que he visto este año. Es una fiesta salvaje. La gente que venga a ver una película de zombis taiwanesa se va a llevar una sorpresa… es mucho más que eso. Los zombis de The Sadness son los más enfermizos y repugnantes, que he visto en una película nunca. No son zombis que se coman simplemente a la gente, hacen con ellos de todo y no voy a decir más. Es aterradora.  

CA: Seven Chances. El 19 de agosto de este año fallecía un icono de las artes marciales, de la serie B japonesa, Sonny Chiba. Qué mejor homenaje que dedicarle esa proyección de “Wolf Guy”.  

Á.S.: Es una película que yo hace ya dos años quería recuperar después de verla en bluray. El Festival de Toronto la pasó hace años como una recuperación y luego salió esta edición, y me pareció una de las cosas más extrañas. Yo soy muy seguidor de Sonny Chiba, me he visto casi todo de él, todo lo que ha salido publicado y editado, y esta me parecía una de las bizarradas más grandes de su filmografía, que tiene varias. Aquí hay una mezcla tremenda de licantropía, lo cual ya nos va muy bien este año, pero de una forma que nadie se puede imaginar. Mezclado con los inugamis, con las tradiciones japonesas, con el cine de yakuzas, con el cine de fantasmas, es tremendamente gore, cruel, escenas eróticas por todos los sitios…es una mezcla de explotation japonesa tan delirante, tan alucinante que su visionado es otra cosa. Esta es una rareza que, además, se ha visto muy poco en occidente, y el director hablaba en una entrevista, que le dijeron de hacer una película de hombres lobo, y que, como no había visto ninguna, se puso a hacer su película de hombres lobo, y así le sale esto… algo muy especial. 

BRIGADOON Y LO QUE NO PUDO SER… 

CA: Vamos a Brigadoon y seguimos con hombres lobo: la mezcla España-Japón resulta una forma que no sabemos describir, pero en una sesión CineAsia tendremos “La bestia y la espada mágica” de Paul Naschy. 

Á.S.: Es una película que recuerdo que, cuando se estrenó, tenía muchas ganas de ver: samuráis con hombres lobo solo lo puede hacer Paul Naschy, con su vinculación que tenía con Japón, un joint venture que hizo con una compañía japonesa, con la que hizo varias películas. Esta es una película de aventuras muy disfrutable, mezcla capa y espada, duelos, El último samurái versión licántropa… Un tipo de cine que ya no podemos concebir hoy en día, y menos en España. Todo tiene que ser muy serio, muy transcendente, incluso para el cine fantástico. En aquella época se hacía cine fantástico por placer, y es una de las películas en las que se ve a Paul Naschy más metido; él siempre decía que era una de sus películas favoritas porque jugaba con temas que le gustaban mucho: la aventura, la capa y espada, Japón y, por supuesto Valdemar Daninsky que siempre salía por ahí… Está muy bien, me parece una gran película del cine fantástico español, un título de culto tremendo, de las películas de Naschy, internacionalmente, es de las de más de culto, de hecho, las mejores versiones se han editado fuera.  

CA: Última pregunta: ¿qué dos o tres títulos asiáticos te hubiera gustado tener en el Festival? Reivindicamos por la pena que nos la muerte de Benny Chan el no tener “Raging Fire”. 

Á.S.: Pues mira, tengo que decir Raging Fire porque llegó un poco tarde la gestión para poder tenerla y ya fue imposible, además que he visto la película y me parece estupenda. Hay una buena lista de otros títulos. Por ejemplo, me hubiera gustado tener Escape from Mogadishu, quizás no habiendo la sección Órbita era un poco complicado programarla. Y otra coreana Emergency Declaration, que no ha querido la distribuidora estar porque después de Cannes parece que no han quedado muy contentos con ella, y pararon las conversaciones. Allí todo el mundo se quejaba de que estaba muy bien, pero era muy larga. Quizás podría haber entrado también algún anime más… Hay 5 o 6 títulos asiáticos más que podrían haber entrado, por gusto. Y dos o tres europeos más y un par de americanos. Lo dicho, creo que nos hemos autoimpuesto un corsé excesivo de 120 películas. Y ha distorsionado mucho el tema de tener Cannes tan tarde, eso ha hecho que muchas propuestas llegaran a última hora.